koboriakira.com

以下、いつも通り長文になるので、結論を先に。 『FRAGMENT』、めちゃくちゃいいから6枚買ってください!

嘘です。1枚で良いから買って愛聴してください。


w-inds.の橘慶太、KEITAの2ndソロアルバム 『FRAGMENT』 が12月16日に発売されます。

w-inds.は日本の男性アイドルグループですが、最近では楽曲面が注目されることが増え、今年の夏に発売された **『Blue Blood』**はファンクをリバイバルしたあたりに、一部の音楽ファン(コボリアキラ含む)は熱狂しました。 (詳しくは、w-inds.『Blue Blood』〜ネオ・ファンクの愛撫は長いほど【けっきょく、J-POP】や、【ネタバレ】w-inds.「Blue Blood」ライブレポと感想(八王子)〜ついに見せた完成形をご覧ください。

そんな素晴らしい音楽を生み出し続けるw-inds.のボーカリストが橘慶太です。で、彼が2年前ほどから進めてるのが、今回のソロプロジェクトです。オフィシャルを引用すると、こうですね。

w-inds.のメインヴォーカリスト橘慶太が2年半ぶりとなるソロ作品をリリース!
KEITA名義のソロデビューを経て2013年6月に発表された1stアルバム「SIDE BY SIDE」以来となるソロミニアルバムを発売!
彩り豊かな表現力や卓越したファルセットが高い評価を得ているKEITAのヴォーカルを存分に堪能できるのはもちろん、今作は、
KEITA自身による作詞・作曲・編曲となる楽曲を初収録。ヴォーカリストとしてだけではなく、クリエイターとしての才能も開花させた意欲作に!
2年半ぶりとなるソロ作品! KEITAミニアルバム「FRAGMENTS」発売! ジャケット写真&収録曲公開! | INFORMATION |
KEITA オフィシャルサイト

KEITA自身が作詞・作曲・編曲している

で、今回のアルバムのウリは、オフィシャルも書くように **「KEITA自身による作詞・作曲・編曲となる楽曲を初収録」**しており、「クリエイターとしての才能」を堪能できるところです。

「作詞」、「作曲」の区分をちゃんと理解する

ところで、自分が中高生の頃なんですが、あまり「作曲」とか「編曲」って言葉を理解している人は多くありませんでした。 とくに、 **「編曲」って何?**って話だと思うので、せっかくですからこの言葉をまとめておきますね。

---作詞(リリック) は文字通り、歌詞をつくることです。たいていは1人で作りますが、複数人で考えを出し合うこともあります。 「アイドルが作詞に挑戦!」ってのはよく見かけますが、だいたいはクレジットにもう一人プロの作詞家が入っているはずです。これは、アイドル本人がベースを作ったあと、表現方法やメロディとの合致などをプロと相談してやってるのだと思います。

作曲(コンポーズ) は、楽曲のメロディをつくることです。誤解しないでいただきたいのは、 「楽曲すべてをつくる」訳ではありません。

わかりやすく言えば、 ボーカルのメロディをつくるのが作曲です。 あなたが鼻歌でフンフン歌えば、それが作曲行為です。

「シンガーソングライター」というジャンルがありますが、これはシンガー(歌い手)であると同時にソングライター(作曲家)でもある、つまり「自分で考えたメロディを歌う人」ってことですね。だいたいは歌詞も考えています。

言い方を変えれば、鼻歌に歌詞をつけて歌えば、あなたも立派なシンガーソングライターなんです。

「編曲」は、音楽制作のキモ

歌詞を書き、メロディをつくれば作詞・作曲はできます。

一方で、そのボーカルの裏で鳴っているピアノ、ギター、ドラム、ベース、トランペット、バイオリン、シンセサイザー、コーラス、などなど。

メインボーカル以外の音をつくるのが、「編曲(アレンジ)」です。

「シンガーソングライターってのは鼻歌に歌詞つければ一応できる」と言いましたが(※お怒りになる前に記事最下部の注をお読みください)、一般の人が唯一できないのが編曲です。なぜかと言えば、編曲には最低限の音楽理論や楽曲の構成、または機材の購入やその扱いなど、多少なりとも学習が必要だからです。

編曲によって、曲の印象というのは大きく変わります。たとえば、ポップスとしてはダサい童謡も、アレンジ次第でその印象が変わります。

アイドルが編曲をする、というおかしな現象(あと、すみませんでした!)

というように、「なんかメロディと歌詞が浮かんだので作っちゃいました!」というアイドルは過去にもいたと思いますが、「機材もガッツリ買い込んで、自分のつくりたいものを作りました!」って人は本当に数少ないです。

そんな訳から、「編曲ってのはプロの仕事だ」ってのが自分の価値観なので、正直に言って、KEITAが初めて世に出すアレンジ曲に対するハードルはめちゃくちゃ低く、

マジな話、慶太作の楽曲についてはクオリティ問わないので(編曲にもいろいろなパターンがあり、もし本当にすべてを慶太がやったら他のプロの楽曲との差が如実に出ます。だからフォローは入っているとは思いますが)、どうか方向性に共感できるものであってほしい!

— コボリアキラ (@kobori_akira) 2015, 10月
30

というツイートをして、ご本人からクレームをいただき、見事炎上(笑・KEITAさんのツイートはすでに消されていますので下手な詮索は止めましょう)。逆に言うと、ミジンコみたいな自分に返信するぐらい情熱の入ったアルバムなんだ、ということがわかります。

このツイートでも書いていますが、「編曲」は「メインボーカル以外の音をつくる」ので膨大な作業になります。なので、たとえば、

  • ストリングスは専門のアレンジャーに頼む(よく見られる例です。金原千恵子さんや弦一徹さんが有名ですね)

  • 音のチョイスやセッティングはプロがやる(アレンジャーは譜面を書くような感じ)

  • ミックスは完全に他に依頼(そもそもは編曲にミックスは組み込まれていません。KEITAがこれを自身でやっているのか、すごい気になっています)

みたいに、「編曲」への関わり度合いもアーティストによって異なるんです。というわけで、ここらへんは実際に発売されたCDのクレジットを見ないとわかりません。

(※)ちなみに、私はw-inds.と同様にジャニーズも愛する穏便派なのでご容赦願いたいんですが、KEITAと同じ「全部自分でやるわもう」というタイプに堂本剛がいます。KEITAが大人のソウル・ミュージックをやるなら、堂本剛はドロッドロの泥臭いファンクです。あるいは「みんな宇宙とひとつになろう」みたいな(笑)。堂本剛=ENDLICHERI☆ENDLICHERI時代の傑作『Neo Africa Rainbow Ax』はオススメです。

『FRAGMENT』は、KEITA流の「ソウル・ミュージック」になりそう

というわけで、やっとアルバムに対するコメントに移れます。当ブログのリピーター様におかれましては、いつも通りですよね(笑)。ニヤニヤしながら読んでいただければ幸いです。

アルバム収録曲のうち2曲しか聴けていないのですが(それもラジオの音源)、そこからなんとなく想像するのは、今回のアルバムはおそらく「KEITA流のソウル・ミュージック」であろう 、ということです。 とくにこれは **「Brand-New-Day」**に顕著でして、彼が敬愛(ないしは参照)してるであろうジャスティン・ティンバーレイクを、自分なりに落とし込んで作られています。ボサノヴァのテイストも少し混ぜるなど、新しい取り組みも感じられます(ここはCD発売後に言及しますね)。

そして、何が素晴らしいかって、Cメロ(ブリッジ)が美しいんですよ、この曲。このCメロは会心の出来だと思います。ポップスにおいてCメロの美しい曲に名作多し、です。

もうひとつの「IF YOU WERE MY GIRL」は、きもち遅めのディスコで、w-inds.の流れも感じます。CD音質で全体像しか掴めませんが、とりあえず良曲です。

とりあえず、KEITAがソロ作でもファンクやソウル、ディスコを土台にしていることはわかりました。

---というわけで、CD発売前のため、楽曲に対するコメントができない状況ではありますが、その状況でも既に「買い」であることだけはお伝えできればと思います(笑)。 あと2週間とちょっと。マジで、本当に、文句なく、楽しみです!

(※)重要な補足。この記事では編曲が重要視されるように書いています。しかし実際には、曲の中心を担う作曲、曲が歌い継がれるために必要な作詞。この2つにパワーがあって、はじめて編曲の重要性が問われる。このことは、音楽を愛する人には但し書きとしてお伝えする必要もないことかもしれません。念のため。


中島美嘉さんばかり聴きすぎて頭が爆発しそうなところに、さらに火薬をブチ込んでいこう、の番外編です。

「チック・コリア」の言葉だけでご訪問していただいた方もいるかもしれません。当エントリは連載モノです。前回までの流れは、こちらから辿ってください。

「Tumba Island」を聴いてみよう

まずは、今回の記事の要であるチック・コリア「Tumba Island」を聴いてみたいと思います。ドラマーはヴィニー・カリウタ。ベースはジョン・パティトゥッチ。

2つに分かれていますが、part1のほうだけ載せますね。マウスが勝手にpart2もクリックしていると思います(笑)。

タバコを加えながらのドラミングとかにもグッと来るんですが、まずは頑張って1:22まで聴いてみます。ここまでにリズムが完璧につかめた!

となっていれば素晴らしいです(というか僕よりリズム感が磨かれてます)。

もし1:22までが「???」だとしたら、ここからのピアノに注意して聴いてみてください。ループになっているのがわかると思います。このループを聴きながら、なんでもいいからリズムをとってみます。

そうすると、多分3拍子になっていないでしょうか? リズムを文字化すれば、「○○○○|○○○○|○○○○」で1ループですね。

このようにリズムが取れれば、この記事の半分は終了です。

ドラムからから4拍子を聴き取る

この3拍子に気づいただけでも、あとの5分ぐらいはトランスして踊り狂えるんですが(笑)、なんとか理性を振り絞ってもう一度1:22をリプレイしてみます。

ピアノが入ったところから、ドラマーがハイハットのオープンを打っています。さっきのピアノの3拍子に合わせて聴くと、気持ちのいい一致はしていないように感じるはずです。

そこで、これまでに学習しているクロスリズムを利用してみましょう。さきほどのピアノのリズムを3拍子から拍子に変えてみます。文字化すれば、下のような感じです。

「○○○○|○○○○|○○○○」 → 「○○○|○○○|○○○|○○○」

3連符の4拍子として聴くことができると、だんだんとハイハットを捉えることができます。オープンを●で表すと、ハイハットのリズムは「○●○|○●○|○●○|○●○」となっているんです。

つまり、3連符の真ん中をオープンにしてるんですね。ポップスではあまり聴かないので、いきなり身体にフィットさせるのは難しいと思うんですが、掴めれば極上の気持ちよさがあります。

中島美嘉からチック・コリアを聴く事ができた!

というわけで、中島美嘉の「Love Addict」を聴いている間に、ジャズ界の大物であるチック・コリアを聴く材料がすこし出来てるじゃん! というお話でした。

J-POPだろうが、楽曲に含まれる蜜を余すところ無く吸い続ければ、面白いところにたどり着くね。という話でもあります。 次回からは、「Love Addict」解説で私がつきつづけていたウソを暴露しまして(笑・なんてヒドいブロガーなんだ!?)、ここから一気にポリリズムを学んでみようと思います。


DJ、とくにJ-POP専門のDJにとって、「選曲」は最も重要な要素のひとつです。(※1)

もし、あなたが初めてDJブースに立ち、「何か流せ」と言われたらどうするでしょう。

あなたはとりあえず「自分の好きな曲を、好きな順にかける」ことにしました。これでお客が盛り上がれば、フロアもあなたも皆が幸せです。

実際、これで盛り上がる現場もたくさんありますが、2,3度DJをした方であれば、この方法が通用しないフロアがあることもご存知でしょう。

では、どのように選曲を行えばよいのでしょうか。


というわけで、この記事では、J-POPにおける「選曲」の方法について、ちょっと真面目に考えてみました。 さきに結論を出すと、

「選曲」をするためには<繋がり>を生み出すことが大事だと考えています。

つまり、ある曲とある曲の間に関連性があれば選曲として機能する、というのが要点です。

以下では、<繋がり>を生み出すための3種類の方法を考えてみようと思います。

(※1)主にPCDJの普及によるテクニカル面の重要性が小さく見積もられたことは、これをさらに推し進めることになりました。言い換えれば、機材のおかげでDJingが出来る現在、自身をDJと定義するための材料が選曲だけの人もいるはずです。

本題に入る前に

とはいえ、「お前、とうとうここの話をしてしまうのか。バッシングに耐える覚悟はあるのだな?」って感じもしています(笑)。

というのは、「選曲はDJのセンスに直結している」、つまり、選曲を褒める/否定することは全人格を褒める/否定することに繋がる、という考え方があるからです。この前提があると、講釈垂れる奴が出るたびに「センス無いお前が言ってんじゃねーよ」っていうツッコミが入ります。

自分にセンスがあるかないかは実際にミックスを聴いてもらうとして(※2)、上のようなツッコミを受け入れていると、この記事はここで「投稿」ボタンを押すことになります(笑)。

というわけで、常識のある方には余計なお世話をとらせて申し訳ないですが、以下の内容はそういった暗黙知的なものをできる限り言葉に直したものであり、DJスキルを理論的に統合している訳ではないことをご承知ください。

とはいえ! 充分に面白いとは思います!(笑) (※2)mixcloudなどで聴けます。「おしゃべりオムライス」の12分頃からあたりは、PCDJの面白さがあると思いますのでご興味あればぜひ。

「おしゃべりオムライス」最終回 DJMIX by コボリアキラ

by Akira Kobori

on Mixcloud

ミックスして違和感のないものを選ぶ

選曲の成功を決めるのは<繋がり>を生み出せているかどうか、というのが全体的な結論です。それでは、具体的にどのように行えばよいでしょうか。

まず浮かぶのは、実際に ミックスされるお互いの曲に繋がりを持たせる ことです。この方法は、DJの一番基本的な考え方だと思います。

リズムの一致しているものを選ぶ

DJはお客に「ダンス」させることが第一の目的であり、まずはリズムを崩さないことが特に重要です。

これは選曲でも同じです。いま流れている曲のドラムパターンやハネ感に似ている曲を選んでいけばDJっぽくなるというか、少なくとも現在のiTunesのランダムプレイには勝てます(笑)。

ドラムパターンは色々とありますが、とくに キックとスネアに注意します。

キックやスネアの位置があまりに異なると、ミックス中の違和感が強くなるからです。また、キックが並ぶ「4つ打ち」はワイルドカード的というか、結構いろんなものに合わせられると思います<span class=“note”>(※3)。

「ハネ感」に関していえば、J-POPではヨレたビートのドラムを使うことは少ないので、それほど気にしなくても上手くいくかもしれません。16ビートのいわゆる「裏の裏」の位置を基準に考えれば完璧でしょう。。

ちなみに、同じジャンルの曲がハマりやすいのは、こういったリズムが一致することが多いからですね。

音色の一致しているものを選ぶ

リズムがまあまあ一致している、あるいはあまり一致していないとすれば、次に揃えてみたいのは「音色」です。つまり、ピアノやギターなどですね。J-POPにおいてザックリ言い換えれば、

「バンドか打ち込みか?」 ってことです。

音色の違いは、場合によってはリズムよりも強い違和感を生み出すことがあります。たとえば、きゃりーぱみゅぱみゅからギターロックに繋げようとすると、どうしても「音色的な有り得なさ」みたいなのが勝ってしまいます。うまく使えば面白くなりますが、やはり「ミックスしやすい」とは言えません。

個人的には、 とくにエレキギターに注意しています。

大体アンバランスなミックスになるときは、ギターが邪魔をしています(楽曲のミックスダウンもギターがキモになることが多いですよね)。ロックDJならギター同士をぶつけて無理矢理推し進める手もありますが、自分はなるべくミックスする曲の片方はギターレスな箇所を使うようにしています。

リズム、音色のズレを無視した繋ぎ方(カットイン、ブレイク)

最後に、上記2つとは異なるパターンを紹介したいと思います。 「カットイン」 と呼ばれるテクニックです。A曲からB曲に一瞬でチェンジ!

ってやつですね。 すでに紹介した2つは、2曲が同時にミックスされることを想定していました。なのでリズムや音色にズレがあると違和感を生み出してしまいます。

その点でカットインは心配はありません。普通にミックスするよりは大胆なアプローチが可能になるはずです。

私はPCDJを使っているのでカットインというよりも「ブレイク(切れ目)」がある曲のミックスで、カットイン的な効果を出すことがあります。

たとえば、川本真琴「1/2」の2番目のサビ後はこのパターンです。 サビで盛り上がって盛り上がって、一気に音数が減る!

ので、このあとには静かなイントロから始まる曲をかけたり、ボーカルから始まる曲を使ったりすることができます<span class=“note”>(※4)。

<span class=“note”>(※3)4つ打ちの魔力というか、どんなものも均等なキックの上ではひとつになる感じがしています。一方で、4つ打ちから別のドラムパターンに移行するのが不自然かどうかは、人それぞれでしょうか。自分はちょっと違和感あるので、8ビートに戻すときはディスコ調の曲を挟んで4つ打ち感を弱めることが多いかも。

<span class=“note”>(※4)自分は「1/2」のあとにセカオワの「Dragon Night」をかけたりしたことがあります。ダダスベった#8943;⋯かな。

文脈が浮かんでくるものを選ぶ

というわけで、お互いの曲のサウンド面に注目したミックスを紹介させてもらいました。とはいえ、他のDJのプレイを聴くと、どうもそれだけでは無い気がします。

それは、もしかすると お互いの曲のバックグラウンド、つまり「文脈」のようなもので繋がれてはいないでしょうか。 たとえばこんなパターンです。

グループ化してみる

ジャンルや曲調が異なっていたとしても、そこに何らかの繋がりが見つられる場合、それらはひとつのグループの中にある、と考えられます。

たとえば、最も単純なものとしては「同じアーティストが歌っている」などです。他にも、同じレーベル・レコード会社から発売されているものもありますよね。

他にも、同じドラマやアニメ、映画で使われている曲であったり、同じテーマ(たとえばクリスマスとか)で作られている曲をまとめてみる方法もあります。

マニアックなものとしては、「逮捕歴がある」とか「みんな離婚している」とか(笑)、知っている人は「あっ⋯⋯、もしかして!」と気付くようなグループ化もできますね。

J-POPイベントの中には、こういったグループ化=「縛り」を課したイベントもあります。ミックスの中で、そのような縛りを一部出してみるのも面白いかもしれません。

歴史をたどる

グループ化が横軸的なまとめ方だとすれば、縦軸的なまとめ方、つまり 時間軸による繋がり も重要でしょうか。

例としては、J-POPではあまり見られませんが、たとえばヒップホップをかけた次にオリジナルソース(原曲)をかける、などです。

J-POPの選曲に応用するならば、今かけてる アーティストや曲の影響元(リスペクト)を辿ってみる、というのはアリでしょう。私の場合は、久保田利伸とかにたどり着きます(笑)。

また、同年代が集まるイベントであれば、個人史を反映した選曲も考えてみてもいいかもしれません。自分の聴いていた曲は、同じ頃にお客さんが聴いていたかもしれないからです。

たとえば、高校生だった頃の曲からはじめてみて、少しずつ昔に遡っていき、小学校の高学年頃まで振り返ったことがあります。退行しながら盛り上がっていく、って感じですよね。

フロアの定番曲から考える

縦横の軸から文脈を探ってみましたが、それならば「いまここ」にも注目してみます。つまり、あなたがDJブースから見渡している、そのフロアです。

フロアには独自の空気があります。その空気を読むことができれば、さらなる多種多様な選曲ができるはずです。

具体的には、フロアでよくかかるアーティストや定番曲など。これが掴めれば、その曲を始点として、あとは上述の選曲の中から適切なものを試すことができます。

他のDJを参考することも、この部類に入るでしょうか。フロアにいるDJは等しくヒントを与えてくれます。他のDJのプレイ中にフロアで踊る人のDJingが好きなのも、踊りながらフロアの雰囲気を察知しているからかもしれません。

知名度の高低差に注意して選ぶ

というわけで、まとめてしまえば「楽曲内の情報(=サウンド)と楽曲外の情報(=文脈)を考えるのが選曲だ!」となります。こう聞くと当たり前ですかね(笑)。でも、楽しんでもらえていれば幸いです。

最後に、後者の文脈による繋がりにおいて、とくにJ-POPで起こりがちな、気をつけたいことを書いておきます。

「バカ曲(超有名曲)」から「マイナー曲」への繋ぎには注意する

それはたとえば、 鈴木あみの「Be Together」をかけた後は注意しようぜ!

という話です(笑)。どんな話だよ、ってツッコミが入りそうですが#8943;⋯。

つまり、めちゃくちゃ有名な曲(個人的に、愛をこめて「バカ曲」と呼んでいます)の次曲は重要になることが多い、ということです。

というのは、「バカ曲」をかけると、フロアが一気に沸き立つことがあります。DJにとってはこの上ない瞬間ではありますが、ハイリターンにはハイリスクがつきもので(スベるのもリスクの一つ)、このあとの盛り上がりをどうコントロールすればいいか、意外に迷うんですよね。

もっとも危険な選択は、マイナー曲を次に流すことです。選曲がバチッとハマれば最高なのですが、諸刃の剣のようなもので、私は現場でやることは少ないです。

かといって、同じようにバカ曲をかけ続けるのも実は落とし穴があります。第一に永遠にピークタイムを続けることは不可能ですし、第二に続いたとすればそれはもはやピークではありません。

あまり煮詰められていないので、「バカ曲を流すタイミングに注意しよう」という話でお茶を濁してしまうのですが、仮に流す場合はその後の流れもちょっとイメージしておいてから流すといいかな、と思っています。

おわりに

以上が、繋がりを生み出す選曲について、自分が考えたことの暫定版です。

繰り返しになりますが、今回紹介した3つのパターンはあくまで個人的経験をまとめたもので、すべての選曲技術を統合したものではありません。もしこれが全てであれば、このアルゴリズムを実装したiTunesにDJさせればいい話です(実際そういう流れもあるんですが・笑)。

選曲は、おそらく、入念な準備と一瞬の閃きです。その「入念な準備」ないしは「一瞬の閃き」のためのヘルパーとして、この記事が参考になれば幸いです。

素敵な選曲ライフを!


M-1の準々決勝が終わり、来週19日はいよいよ準決勝です。

先日、そのメンツが発表されたのですが、東京の準々決勝を生で見ていると(※その感想については、『M-1グランプリ2015』が突きつけられた、たった1つの問いをご参照ください)、嬉しさや驚きなどが何倍にもなりますね。

こうなると、当然ながら「誰が決勝に進むのか?」というのが話題になります。「大好きな○○には一度でいいから決勝の舞台に立ってほしい」とか「あのネタにさえ決めれば絶対に決勝までいける」とか、好事家の話は止まりません。

で、私も私なりにこれを考えてみます。ただし、ネタに関する話はすべて封印して、この大会唯一の特徴をもとに考えます。 その特徴とは、

今大会は「結成15年以内」のコンビなら参加できる、というルールです。これまでは「10年以内」でした(※これは、優しさは失敗のもと―2015年のM-1は成功するか?をご覧ください。結構書いているんですよね・笑)。

「結成10年以上」が、半数いるという実情

まずは、準決勝に進んだ27組のうち、「結成10年以上15年以内」のコンビを調べてみました。ザッと挙げると、

かまいたち、チーモンチョーチュウ、スーパーマラドーナ、とろサーモン、東京ダイナマイト、ナイツ、POISON GIRL BAND、タイムマシーン3号、天竺鼠、ダイアン、ジャルジャル、トレンディエンジェル、囲碁将棋。 というわけで、 27組中13組があてはまります。これを「ベテラン勢がやりすぎ」もしくは「若手が健闘した」と捉えるかは自由です。

もう少し条件を細かく設定してみましょうか。たとえば、この中で「M-1に出場経験があるコンビ」は6組、「M-1またはTHE MANZAIに出場経験があるコンビ」は10組います(かまいたち、とろサーモン、天竺鼠を除いた全組)。 そして、今回の決勝は、

この10組がどれくらい食い込んでくるか。 それがすごい重要になると予想しています。

似たような問いになりますが、彼ら10組が決勝に上がる状況を、私たちは受け入れたり望んだりするでしょうか。ここ、本当に難しいところです。

『M-1』の『THE MANZAI』化

実際、東京の準々決勝では、東京ダイナマイト、POISON GIRL BAND、天竺鼠、トレンディエンジェルが会場の最も盛り上げたコンビでした。

そういう意味で、彼らの決勝進出は(今回のルール上では)妥当であり、そのほうが決勝も盛り上がることは確かでしょう。

しかし、一方で、それは島田紳助の掲げた「結果の出ないコンビの辞めるキッカケをつくる」、いわば「若手漫才師の大会」という看板を降ろすキッカケにも成り得ます。

もしそうなると、それは、 『M-1』が博多華丸・大吉優勝以降の『THE MANZAI』に吸収されたような格好になる ことを表します。「面白ければエエやん」的な、フジテレビ的な発想がM-1に持ち込まれる訳です(これを悪いなどとは断じて思っていません)。

「コボリがまた馬鹿みたいな事を言ってる。あの記事にどれだけおんぶしてんだよ」とお思いかもしれません。しかし、すでにこの『THE MANZAI』化の動きは簡単に見つけることができます。

敗者復活戦では準決勝敗退コンビが漫才を披露し、視聴者投票によってファイナリスト最後の1枠を決定。さらに「GYAO!ワイルドカード」と題し、GYAO!で配信される準々決勝敗退コンビのネタ映像の中で再生回数が1位だった1組を準決勝へと送り出す視聴者参加企画も用意された。
「M-1グランプリ」決勝日程&敗者復活戦決定、歴代王者の直前特番も -
お笑いナタリー

そう。敗者復活戦においては、『THE MANZAI』の「ワラテン」のようなシステムが既に導入されることが発表されています。この時点で、M-1がほんの少し変化を起こし(※)、一般的なバラエティ化を狙っている、と考えることは不自然ではありません。

(※)もちろん、M-1は永久に変わるな! とも思いません。ただ、この変化はM-1のアイデンティティを揺るがします。 『M-1』が『THE MANZAI』のようになったとき、果たしてそこに、あの頃の熱狂は生まれるのでしょうか。

バランスをとった配分になるだろう

というわけで、「決勝進出者を考える」とか言いながら、もっと大きな話をしてしまいました。最後に、上の話をもとにして決勝進出者を考えてみます。

まず、ひとつの見方として、前述した10組と残りの17組とで、どちらが多く決勝に行くのか? という点が重要だと思います。

「10:17≒3:6」ですから、まあ前述の10組から5組出るようなことがあれば、なかなか大きな出来事だと思われます。

しかし、準々決勝の審査は、「10年以上のコンビに扱い」について意識的/無意識的にナイーブさがありました。なので、だいたい上の比率に落ち着くかな、というのが予想です。

どのコンビが行くかは、本当に想像つきません。とにかくPOISON GIRL BANDは出てほしい! ってだけです(笑)。では。


中島美嘉さんの過去を愛でる、つもりも無く、できれば現在進行形で好きでいたいと思いながらポリリズムを練習する、の第5回です。

前回までの流れは、こちらから辿ってください。

リズムの取り方を工夫してみる

前回は、「Love Addict」を使って、クロスリズムの練習に励みました。具体的には、2種類のリズムを「切り替える」ことにチャレンジしました。

では、「切り替えず」に2種類のリズムをとるのはできるでしょうか。

「何を言ってるの?」って感じかもしれませんが(笑)、リズムの取り方に工夫をしてみると、このことがわかると思います。


まずは、前回も載せた音源を再度聴いてみましょう。 [audio mp3=”http://koboriakira.com/wp-content/uploads/2015/11/4-5.mp3”][/audio] この配置を図で表すと、下のようになります。

5-1

前回確認した通り、このリズムだとハイハットは2つ区切り(3拍子)になっていて、スネアは3つ区切りで打たれているような感じです。

それで、それぞれのリズムを「切り替える」のが、前回のテーマでした。 前回は、これを切り替えてノっていましたが、今回は切り替えずにノってみます。

鳴っている音は何も変わりませんが、聞く私たち側の態度で、これを成し遂げてみましょう。

2つ区切り(3拍子)のまま、3つ区切りを感じる

ハイハットを「○」、スネアを「△」で表して説明します。

3つ区切りで表すと、「○×○|△○×」ですね。ちょうどスネアが1つ目(表拍)にきて、スムーズにノれると思います。

それでは、上の音源を「○×|○△|○×」と聴くとどうでしょうか。 つまり、スネアの音を表拍として聴くのではなく、3拍子の中の裏打ちとして感じてみます。

そうすると、 身体の大部分はハイハットの2つ刻みを感じつつも、同時にスネアによる3つ刻みを感じられませんでしょうか。

これが「切り替えずにノる」ことの第一歩です。 「どちらか」ではなく、「どちらも」にする。 どちらのリズムも同時に感じることができる。

これだけなんですが、最初は難しいです。

コツとしては、たとえば右手でハイハットのリズム(○の位置)を叩きつつ、2つ目のハイハットだけ、続けて左手も叩くようにすると、なんとなく掴めてくると思います。

3つ区切り(2拍子)のまま、2つ区切りを感じる

上のができれば、じゃあ反対もやってみよう。というのが世の常。 [audio mp3=”http://koboriakira.com/wp-content/uploads/2015/11/4-7.mp3”][/audio] 図はこんな感じです。

5-2 今度はキックを「□」として表したものも追加して表記しますと「□×△|○□×」です。

スネアを基準に置きながら、1拍目を「タ・ン・タ」、2拍目を「ン・タ・ン」というように交互にやります。2拍目が難しいですね。

スネアのすぐ後のキックを意識してください。ただし、表拍でとってしまわないように。

これ、自分もまだ苦戦中なんですが、やればやったぶんだけ慣れるはずです。ぜひ。

いよいよポリリズム

これがわかると、ついに <ポリリズム> と呼ばれる世界に入ることができます。

とはいえ、ちょっと急スピードで進みすぎたので、次回はこれまでのことをまとめてみようと思います。 せっかくですから音源を変えて、復習できればいいですよね。

というわけで、最近聴いてるチック・コリアの曲に「Love Addict」パターンがあったので、紹介させてください(アクセス数を考えると、チック・コリアのほうが読まれたりして(笑)。とはいえ、中島美嘉が好きなんですから仕方ないですよね)。


「ラスト・シンデレラのほうが圧倒的に良かったよね。まあFREETEMPOが音楽やってたからだけど」でお馴染みの、 **『オトナ女子』**の、主題歌を歌う中島美嘉さんの、2003年に出したシングル「Love Addict」を使ってポリリズムを身体の中に浸していこうの、第4回です。

前回までの流れは、こちらから辿ってください。

たまには最新シングルでも聴いてみましょうか。『オトナ女子』の主題歌「花束」です。玉置浩二さん作詞作曲。メイクは「いつもの」って感じですかね(笑)。個人的には、やはりポップスターでいてほしかったです。

「Love Addict」にクロスリズムを利用してノってみる、

前回は、クロスリズムを紹介し、実際にリズムをとってみました。今回は、「Love Addict」で実際にクロスリズムを体感してみます。

まず、図を再掲しますが、 3-1

1小節(キックとキックの間)を2つに分けるか、3つに分けるか。この2種類のリズムを体感してみます(※最終的には、2つを同時に体感できるようになると完璧です。自分も練習中)。

まずは、2つ/3つに分けることができるように、6つの音を並べた状態でノってみます。

先に書いておきますと、実はこの6つの音を載せた状態はちょっとヘンな感じです。というのは、「Love Addict」はシャッフルビートなので、並べるなら9つなんですよね。とはいえ、これは後々扱いたいと思います。まずは6つの音で我慢して聴いていただければ。

6つの音を並べる

[audio mp3=”http://koboriakira.com/wp-content/uploads/2015/11/4-1.mp3”][/audio]まず、これを身体に覚えさせます。繰り返しになりますが、シャッフルビートの上に重ねているので、違和感あります。

で、これをベースに、2つ区切りと3つ区切りをやってみます。

2つ区切り

[audio mp3=”http://koboriakira.com/wp-content/uploads/2015/11/4-2.mp3”][/audio]#### 3つ区切り[audio mp3=“http://koboriakira.com/wp-content/uploads/2015/11/4-3.mp3”][/audio]この2つも何度も聴いて、身体に覚えさせてください。すると、この2つのリズムを好きに切り替えることができます。

4小節ごとに切り替える

[audio mp3=”http://koboriakira.com/wp-content/uploads/2015/11/4-4.mp3”][/audio]最初は難しいかもしれないんですが、慣れればこれだけで何時間も遊べます。まだ2種類ではありますが、好きなリズムを選べるので、曲に指図されずに踊れるような感じがします。

慣れてきたら、鳴ってるハイハットと反対のリズムでノる練習をしてみます。 そうすると、よりクロスリズムが体得できると思います。

次回予告、ワンランク上のクロスリズム

上記ができるようになったら、このリズムを少しずつ拡張していきます。 何をするかと言うと、 1種類のリズムで2種類のリズムを抱え込んでしまいます。

この説明は次回に回し、とりあえず音源だけ載せておきますね。ぜひ遊んでみてください。 [audio mp3=”http://koboriakira.com/wp-content/uploads/2015/11/4-5.mp3”][/audio][audio mp3=“http://koboriakira.com/wp-content/uploads/2015/11/4-7.mp3”][/audio] 12年ぶりに、中島美嘉「Love Addict」をポリリズムの観点から再評価する(5)